2019-05-08
 
Cette section est réservée aux membres du RQD

Couverture médicale: ce qu’il faut savoir

Couverture médicale: ce qu’il faut savoir

Plus qu’un droit, la couverture médicale est une obligation. Entre le régime de base offert par la Régie de l’assurance maladie du Québec (RAMQ) et une assurance privée, il est parfois difficile de s’y retrouver. Savez-vous, par exemple, ce que couvre la RAMQ? Connaissez-vous les alternatives qui s’offrent à vous, comme l’assurance collective proposée aux organismes membres du RQD? Que vous soyez travailleur autonome ou salarié d’un organisme, voici un récapitulatif qui vous aidera à y voir plus clair et à faire le meilleur choix pour votre santé.

Organismes membres du RQD
Vous avez accès à une assurance collective qui permet à vos employés salariés à temps plein de bénéficier d’un régime couvrant une partie des soins dentaires, des frais de maladie (médicaments, ostéopathe, physiothérapeute, massothérapeute, certains vaccins) et comprenant également une assurance voyage de 60 jours, une assurance invalidité longue durée et pour maladie grave ainsi qu’une assurance vie.

Une excellente façon d’offrir de meilleures conditions de travail dans notre milieu en plus de favoriser la rétention de vos employés!

Pour plus d’information, contactez:
Réjean Carbonneau, Gestionnaire de projet
Conseil de la culture – Régions de Québec et de Chaudière-Appalaches
1-844-523-1333 / rejean.carbonneau@culture-quebec.qc.ca

Travailleurs autonomes et salariés ne bénéficiant pas d’une assurance collective
Tout travailleur qui ne bénéficie pas d’un régime privé d’assurance collective par son employeur cotise nécessairement à la RAMQ à même ses déclarations d’impôts. Connaissez-vous bien cette couverture de base?

En plus du remboursement de médicaments, les services médicaux couverts par le régime d’assurance maladie sont ceux qui sont nécessaires sur le plan médical et rendus par un médecin omnipraticien (appelé aussi «médecin de famille» ou «médecin généraliste») ou par un médecin spécialiste.

Certains services dentaires sont assurés également pour les adultes. Ces services doivent être pratiqués en milieu hospitalier suite à un traumatisme ou à une maladie. Les enfants de moins de 10 ans reçoivent gratuitement plusieurs services (en clinique dentaire ou en milieu hospitalier).

Il est possible d’obtenir une meilleure couverture en souscrivant à un régime privé d’assurance collective tel que la Croix Bleue du Québec, parmi les plus connus. Vous pouvez faire une soumission rapide sur leur site internet pour évaluer les coûts.

À titre comparatif, avec la RAMQ vous pouvez payer jusqu’à 667$ pour des soins hospitaliers, de dentisterie d’urgence, pour certains actes médicaux et pour le remboursement de médicaments. La cotisation à un régime privé d’assurance collective vous coûtera plus, mais vous aurez accès à davantage de services, tels qu’une couverture pour les examens annuels et les réparations mineures chez le dentiste et pour les frais de physiothérapeute, d’ostéopathe, de médicaments, etc.

En fonction de votre profil, vous pourriez être gagnant en souscrivant à un régime privé d’assurance collective!

Pour plus d’informations, contactez Virginie Desloges, responsable des finances et de l’administration du RQD.

 

Deepening the Conversation Among Performance Curators in Canada: The Interrarium Curator’s Symposium

// Version française

“The three pillars of the Syrian arts community are freedom, dignity and justice.
I add to this: beauty.  Esthetics is a basic human right.”
Alma Salem, Syrian curator living in Montréal,
April 5, 2018 at the Banff Centre

This Canadian symposium held at the Banff Centre for Arts and Creativity on April 3-6 2018 marked a veritable turning point in conversations about live arts curation in Canada. Thirty dance, theatre and performance art curators, academics, artist-curators and producers answered the invitation to join the group. The four-day exchange about critical ideas and innovative models included thematic sessions, open roundtables, breakout groups, a one-on-one and also a silent walk with an “aligned group” in the woods. In the revitalizing mountains of the Banff Centre, we were offered ample time to nurture a deeper understanding of the deeper meanings of our work in the art world.

We were reminded that ours is a practice which until only a decade ago had not yet developed a body of theory or literature or courses of study. Acknowledged only recently by arts councils in Canada (since 1990 in Québec), performing arts presenters have now become crucial gate-openers for contemporary performing artists. As we each articulated our driving curatorial visions in a first tour du table, it became clear that we are in the midst of a new phase of consolidation in Canada, as witnessed by the surge of permanent infrastructures being built across Canada. Even as we provide artists with access to these theatre spaces and the necessary supporting services, we spoke about the many ways in which as curators we also nurture artistic creation and create educational frameworks in which performances are interpreted and evaluated by audiences, funders and critics.

“The act of curating is an act of becoming.”
Nicole Mion, curator living in Calgary and Vancouver
April 3, 2018 at the Banff Centre

We spoke openly about the effects of our acquired power and responsibilities, the significance and impact of our work in the contemporary art world. Live arts “presentation” in Canada is a métier with origins in the for-profit production of performances because initiated by impresarios seeking touring opportunities and venues for popular entertainers. It was not at the outset a practice conceived by arts-educated historians and critics, as was the case for our museums and galleries in the visual arts. We recounted some of our histories about building an alternative, non-profit circuit of performance venues and presenting organizations, forged from the ground up. Those of us sitting around the table were, along with some large-scale producers, determined to advance the development of contemporary performance and audience interest in our local communities.

“My aspiration is for a critical form of curation.”
Tom Seller, dramaturg, curator, publisher, professor at Yale University
April 4, 2018 at the Banff Centre

For ten hours a day over four days, conversations were frank and open, themes vast and varied. Exchanges were sometimes thorny, other times invigorating. We remained respectful and attentive, clearly eager to set a collegial tone. In our densely-woven dialogues we conspicuously avoided the all-too-predominant subject of money (unless to bring forward the influence of government funding). Discussions turned towards the social purposes of contemporary art, with considerations of the politics and economics of power as well as the vitality of disruption and the fostering of both global and local narratives. Pivotal current-day issues gave grounds to the discussions:  decolonization, ethics and best practices, cultural listening. Artistic and curatorial practices were also at the heart of the matter, as we talked about poetics and beauty, critical art theory, imagination and creativity, and arts education. This is only a sampling of subjects, as there was so much more! Most importantly, we periodically returned to recognize the politics of who was/was not “at the table” and why, both literally (at the symposium) and metaphorically (in the larger community of artists and curators).

“I bring artists in…to instigate conversations around dance…
to help create beauty that inspires, and moments of awakening.”
Holly Bright, Canadian curator living in Nanaimo
April 3, 2018 at the Banff Centre

Several educators and curators from outside of Canada joined the group, offering points of view that confronted us with new considerations from extra-Canadian cultural contexts: Belgium, Germany, the United States and Syria. Widening and decolonizing the conversation, Canadian participants included people of colour and of various descents: African, Asian, Indian and First Nations. We fervently argued – sometimes with discomfort, about white privilege and the exclusion of brown, black and indigenous peoples. We reconsidered the cultural contexts in which we have fostered Canadian views on racism, transparency, democratization. First Nations’ curator and scholar Julie Nagam illuminated her cultural frame of reference, reminding us that indigenous methodologies are embodied and reciprocal, about activating spaces, and collaborative and community-oriented models.

“To curate is to transform…
We need to move towards disruption, commitment, emotion, stickiness.”
Michele Steinwald, US/Canadian curator living in Minneapolis
April 3, 2018 at the Banff Centre

Each of us began by revealing the driving forces behind our individual curatorial practices. We declared our allegiances to the artists, the arts practice itself, our audiences and the community, in various combinations. Some of us are allied with younger or mid-range artists, others committed to bringing in seminal, large-scale companies to our cities. Victoria Blakeley-Mohr reminded us of the necessity to ask the artist: « what do you want people to know and understand about your work?” We recognized that there is not yet a common definition of curator or the curator’s work, reflecting on the double etymology of the term that is sourced the Latin curare: to care for and also to cure. We envisioned curation in many ways: as “audience dramaturgs,” facilitators, researchers and critical thinkers, producers, educators, artists supporting artists, event framers, caretakers and nurturers. Many of us see our work as a form of political activism, recognizing our role as artistic citizens and as community arts organizers.

“Are we here to pacify, entertain, educate, provoke thought, promote inclusivity? Are we artists shaping art? Are we [after all] that important to the world?”
Donna Spencer, Canadian curator in Vancouver
April 3, 2018 at the Banff Centre

            When asked in Michele Steinwald’s workshop presentation to name the skills needed to recognize difference and articulate biases, we spontaneously formed a list of over thirty qualities, that Tom Seller remarked was “a great job description for curation.” A sampling of these abilities: empathy, mindfulness, comfort with discomfort and disruption, capacity to collaborate and facilitate difficult conversations. There was also: diplomacy, courage, intellectual curiosity, resistance to habit and to ego, imagination, willingness to assess one’s power and step aside. And Robin Poitras encapsulated these abilities for us in a single poetic metaphor: the willingness to let the garden grow without a garden architect.

 

Dena Davida
Canadian curator in Montreal

 

© Nathalie St-Pierre

Invited participants: Holly Bright, Rohit Chokhani, Ann Connors, Dena Davida*, Piet De Fraeye, Denise Fujiwara, Jane Gabriels, Jenn Goodwin, Gustavo Fijalkow*, Denise Fujiwara, Sasha Kleinplatz, Cathy Levy, Timothy Long, Nicole Mion, Victoria Mohr-Blakeney, Gerry Morita, Julie Nagram, Freya Olafson, Robin Poitras, Edward Poitras, Joyce Rosario, Alma Salem*, Vivine Scarlett*, Jim Smith, Lyanne Sparrow, Donna Spencer, Tom Sella*r, Michele Steinwald*, Andrew Tay, Brian Webb.

Interns: Pam Tzeng, Katherine Holm.

*featured animateurs

Organized by the Prairie Dance Circuit – Brian Webb, Robin Poitras, and framed through Nicole Mion’s interdisciplinary Interrarium residencies at the Banff Centre – the symposium also received support also from the Springboard Collective, the Canada Council for the Arts and the Banff Centre itself.

Quotations and paraphrasing are drawn from the written notes of the author.

 

Approfondir la conversation entre les commissaires des arts de la scène au Canada: Interrarium Curator’s Symposium

// English version

«Les trois piliers de la communauté des arts syriens sont la liberté, la dignité et la justice. J’ajoute à cela: la beauté. L’esthétique est un droit humain fondamental.»
Alma Salem, commissaire syrienne à Montréal
Le 5 avril 2018 au Banff Centre

Le symposium canadien tenu au Centre des arts de Banff du 3 au 6 avril 2018 a marqué un véritable tournant dans les conversations relatives au commissariat (curation) et à la conservation des arts vivants au Canada. Trente commissaires en danse, théâtre et autres arts de la scène, universitaires, artistes-commissaires et producteurs, ont répondu à l’invitation pour un échange de quatre jours sur les idées critiques et les modèles innovants, notamment à travers des sessions thématiques, des tables rondes, des discussions en groupe ou en tête à tête, ainsi qu’un «aligned group», marche silencieuse en file dans les bois. Dans les montagnes revitalisantes du Banff Center, nous avons pris le temps de développer une meilleure compréhension du sens profond de notre travail au sein du monde des arts.

On nous a rappelé que notre pratique n’avait pas encore développé de corpus théorique, de littérature ou de cours il y a à peine une dizaine d’années. Reconnus seulement récemment par les conseils des arts au Canada (depuis 1990 au Québec), les diffuseurs des arts de la scène sont devenus des passeurs essentiels pour les artistes de la scène contemporaine. Alors que nous exprimions chacun nos visions commissariales dans un premier tour de table, il est devenu évident que nous vivons actuellement une phase de consolidation au Canada, comme en témoigne la montée en puissance des infrastructures permanentes établies partout dans le pays. Nous avons échangé sur les différentes manières par lesquelles nous, commissaires, en plus d’offrir l’accès à des espaces de diffusion et des services de soutien essentiels aux artistes, nous pouvons favoriser la création artistique et mettre en place des cadres éducatifs permettant l’interprétation et l’évaluation des performances artistiques par le public, les bailleurs de fonds et les critiques.

«L’acte de commissarier est l’acte de devenir.»
Nicole Mion, commissaire à Calgary et Vancouver
Le 3 avril 2018 au Banff Centre

Nous avons librement parlé des conséquences de notre pouvoir et de nos responsabilités, de l’importance et de l’impact de notre travail dans le milieu de l’art contemporain. La «diffusion» des arts vivants au Canada, comme métier, trouve ses origines dans la production lucrative de spectacles lorsque des imprésarios recherchaient des opportunités de tournées pour présenter des artistes populaires. Au départ, il ne s’agissait pas d’une pratique conçue par des historiens ou des critiques d’art comme ce fut le cas pour les musées et les galeries d’arts visuels. Nous avons partagé certaines histoires à propos de la création d’un circuit alternatif sans but lucratif pour des espaces de spectacles et de diffusion d’organisations, forgé à partir de rien. Nous sommes aujourd’hui pour l’essentiel des artistes-commissaires, quelques producteurs de grande échelle, tous déterminés à faire progresser les arts de la scène contemporaine et à développer l’intérêt du public dans nos communautés locales.

«J’aspire à une forme critique de commissariat.»
Tom Seller, dramaturge, commissaire, éditeur, professeur à l’Université de Yale
Le 4 avril 2018 au Banff Centre

Dix heures par jour pendant quatre jours, les délibérations furent franches et ouvertes, et les thématiques vastes et variées. Les échanges furent parfois épineux, parfois stimulants, et toujours respectueux dans une volonté commune d’être à l’écoute et d’assurer un ton collégial. Au cours de nos denses conversations, nous sommes parvenus à éviter le sujet toujours-trop-prédominant de l’argent (sauf pour aborder l’influence du financement gouvernemental). Les discussions ont abordé les objectifs sociaux de l’art contemporain, les considérations politiques et économiques du pouvoir ainsi que la force du bouleversement et l’émulation des histoires aussi bien globales que locales. Nos échanges ont été alimentés par les problématiques actuelles majeures: la décolonisation, l’éthique et les bonnes pratiques, l’écoute culturelle. Les pratiques artistiques et commissariales furent également au cœur de nos discussions, puisque nous avons parlé de la poétique et du beau, de la théorie critique de l’art, de l’imagination, de la créativité et de l’éducation artistique. Ceci ne représente qu’un échantillon des sujets évoqués, car ils furent tellement nombreux! Plus important encore, nous nous sommes régulièrement penchés sur la question politique de ceux qui étaient/n’étaient pas présents «autour de la table», littéralement (au symposium) et métaphoriquement (dans la communauté de l’art et des commissaires plus largement).

«Je rassemble des artistes… pour susciter la conversation autour de la danse… pour favoriser la création du beau qui inspire et des instants de pleine conscience.»
Holly Bright, commissaire canadienne à Nanaimo
Le 3 avril 2018 au Banff Centre

De nombreux éducateurs et commissaires venus de l’étranger – de Belgique, d’Allemagne, des États-Unis et de la Syrie – se sont joints au groupe, apportant des points de vue qui nous ont confrontés à de nouvelles considérations issues de contextes extra-canadiens. Élargissant et décolonisant ainsi le dialogue, les participants canadiens comprenaient des personnes de couleurs et d’héritages divers, africain, asiatique, indien, ou des premières nations. Nous avons discuté avec ferveur, parfois avec un certain malaise, des notions de privilège blanc et de l’exclusion des Autochtones et des communautés de couleurs. Nous avons réexaminé les contextes culturels qui ont favorisé les perceptions canadiennes du racisme, de la transparence, de la démocratisation. La commissaire et spécialiste des Premières Nations, Julie Nagam, a expliqué son cadre de référence culturel, en nous rappelant que les méthodologies autochtones sont incarnées et réciproques, rendent l’espace vivant et sont des modèles collaboratifs et communautaires.

«Commissarier, c’est transformer… Nous devons avancer vers la rupture, l’engagement, l’émotion et l’inconfort.»
Michele Steinwald, commissaire américano-canadienne résidant à Minneapolis
Le 3 avril 2018 au Banff Centre

Chacun d’entre nous a commencé par partager les forces motrices de ses pratiques commissariales respectives. De différentes manières, nous avons déclaré notre loyauté aux artistes, à la pratique artistique elle-même, à notre public et à notre communauté. Certains commissaires sont engagés avec des artistes en début ou en milieu de carrière, d’autres sont déterminés à attirer des compagnies majeures de grande envergure dans leurs villes. Victoria Blakeley-Mohr nous a rappelé la nécessité de poser la question à l’artiste: «Que voulez-vous que les gens connaissent et comprennent de votre travail?» Nous avons réalisé qu’il n’existe pas encore de définition commune du commissaire (curator) ou du travail de celui-ci, soulignant entre autres la double étymologie du terme, de la souche latine curare : prendre soin de, et de l’anglais to cure : soigner. Nous avons ainsi envisagé le commissariat (curation) de différentes manières: comme «dramaturges du public», facilitateurs, chercheurs et penseurs critiques, producteurs, enseignants, artistes soutenant les artistes, organisateurs évènementiels, protecteurs. Beaucoup d’entre nous perçoivent notre travail comme une forme d’activisme politique et revendiquent ainsi notre rôle de citoyens artistiques et d’organisateurs de communauté des arts.

«Sommes-nous ici pour pacifier, divertir, éduquer, provoquer la réflexion, promouvoir l’inclusion? Sommes-nous des artistes qui façonnent l’art? Sommes-nous [après tout] si importants pour le monde?»
Donna Spencer, commissaire canadienne à Vancouver
Le 3 avril 2018 au Banff Centre

Lorsque l’on nous a demandé, au cours de l’atelier de Michele Steinwald, de nommer les compétences nécessaires pour faire place à la différence et articuler nos biais, nous avons spontanément dressé une liste de plus de trente qualités, que Tom Seller a qualifiée d’«excellente description de poste pour le commissariat.» Ceci n’est qu’un échantillon de ces qualités: l’empathie, la pleine conscience, le confort dans l’inconfort et le trouble, la capacité à collaborer et à encourager les conversations délicates. Mais aussi: la diplomatie, le courage, la curiosité intellectuelle, la résistance à l’habitude et à l’ego, l’imagination, la volonté de mesurer son pouvoir et de se retirer. Robin Poitras est parvenu à résumer ces aptitudes en une métaphore poétique: la volonté de permettre au jardin de grandir sans en être le paysagiste.

 

 © Nathalie St-Pierre

Dena Davida
Canadian curator in Montreal

 

 

Participants invités: Holly Bright, Rohit Chokhani, Ann Connors, Dena Davida*, Piet De Fraeye, Denise Fujiwara, Jane Gabriels, Jenn Goodwin, Gustavo Fijalkow*, Denise Fujiwara, Sasha Kleinplatz, Cathy Levy, Timothy Long, Nicole Mion, Victoria Mohr-Blakeney, Gerry Morita, Julie Nagram, Freya Olafson, Robin Poitras, Edward Poitras, Joyce Rosario, Alma Salem*, Vivine Scarlett*, Jim Smith, Lyanne Sparrow, Donna Spencer, Tom Sellar*, Michele Steinwald*, Andrew Tay, Brian Webb. Stagiaires: Pam Tzeng, Katherine Holm.

* animateurs principaux

Organisé par le Prairie Dance Circuit – Brian Webb, Robin Poitras, et encadré par le programme de résidences interdisciplinaires Interrarium au Banff Centre – le symposium a également reçu le soutien du Springboard Collective, du Conseil des arts du Canada et du Banff Centre.

 

Retricoter les liens et les imaginaires

Avec une conférence pour contrer le harcèlement psychologique, trois jours de conversations et de performances autour de la danse autochtone actuelle, un atelier sur la décolonisation du regard et des discussions sur l’inclusion et les spécificités de la scène des danses urbaines, la semaine dernière a offert aux professionnels de la danse des espaces d’apprentissage, de partage et de réflexion sur de brûlantes questions de société. De plus en plus nombreux à chercher quelles réponses y apporter, ils sont engagés dans un processus exigeant qui ouvre grand les perspectives du vivre-ensemble. L’immense défi: transformer les manières de penser et d’agir pour faire une place aux invisibilisés, offrir à tout un chacun l’égalité des chances ainsi que des espaces de croissance et de travail sécuritaires. Des enjeux placés au nombre des priorités du Regroupement québécois de la danse (RQD).

Composé d’une vingtaine de personnes, le comité Inclusion et vivre-ensemble du RQD réfléchit depuis l’automne dernier aux moyens de lutter contre toutes formes de discriminations dans le milieu de la danse québécois, s’intéressant plus particulièrement au racisme systémique et à l’appropriation culturelle. Certains de ses membres questionnent, entre autres, leur rapport à l’organisme qui les réunit. Car, comme la plupart des institutions, le RQD est marqué par la pensée colonialiste dans laquelle s’inscrit son histoire. Ainsi, à l’heure où les artistes autochtones et leurs homologues dits de la diversité culturelle et artistique soulignent l’hégémonie de concepts et modes de fonctionnement élaborés par des instances blanches occidentales, la question se pose des critères en vigueur dans les conseils des arts au Québec pour définir l’art chorégraphique et, par extension, de la légitimité même de l’appellation du RQD jugé non représentatif de l’ensemble de LA danse.

Voilà des idées qui peuvent donner lieu à des levées de boucliers. Tout comme en ont suscité le mouvement #metoo ou le renvoi par une institution théâtrale d’un enseignant aux méthodes trop musclées pour garantir l’intégrité psychique de ses élèves. On peut bien trouver que certaines affirmations, revendications ou mesures sont excessives, on peut bien s’inquiéter de l’impact potentiel d’une rectitude politique sur les libertés individuelles, le fait est que certaines choses jusqu’alors considérées normales ne le sont plus et que chacun est invité à un examen de conscience pour vérifier si ses postures mentales et agissements sont inclusifs et respectueux. Et ce, quels que soient nos identités et groupes d’appartenance.

Le défi peut paraître d’autant plus insurmontable que les rapports de force s’inscrivent dans la société humaine comme ils le sont dans la nature et que les systèmes politico-économiques les renforcent. De fait, le dénominateur commun des fonctionnements que l’on cherche à défaire, ce sont les dynamiques de pouvoir et les abus qui en découlent. Serons-nous capables d’équilibrer les pouvoirs pour des rapports plus harmonieux et des humains plus épanouis dans une société plus juste et plus égalitaire?

 

Fabienne Cabado 
Directrice générale du Regroupement québécois de la danse 

Au nom du corps

Avant, j’étais journaliste. Je regardais la danse avec ma grille critique en tête. Je la modulais selon les types de spectacles, je faisais l’effort de rester ouverte, mais j’avais toujours, si ce n’étaient des attentes, des critères d’analyse. J’ai eu la surprise de voir cela changer instantanément quand j’ai coiffé la casquette de directrice générale du RQD. Le corps a ses raisons que la raison ignore. Il lui arrive, à partir de nos expériences de vie, de transformer notre pensée avant même que nous ayons conscience que quelque chose a changé dans notre conception du monde. De fait, il n’y a selon moi d’autres séparations entre le corps et l’esprit que celles instaurées par le puritanisme et le cartésianisme. Comment la danse serait-elle perçue aujourd’hui, quelle place aurait-elle dans notre société si l’on n’avait jamais diabolisé la chair et les sens et si l’on n’avait pas établi la suprématie de l’intellect? Plaidoyer pour la réhabilitation du corps et la reconnaissance de ses immenses pouvoirs.

Il fut un temps où l’on ricanait volontiers à l’évocation de l’existence de maladies psychosomatiques. Aujourd’hui, on qualifie le ventre de second cerveau et la proprioception*, de sixième sens. On sait également que la création de sens peut passer par l’intelligence sensorielle, spatiale et motrice et on parle même de corps-cerveau pour désigner l’implication simultanée du corps et de l’esprit dans les processus d’apprentissage. Les neurosciences vont jusqu’à affirmer que les expériences riches en contenu sensoriel favorisent, mieux que les livres, le développement neuronal et l’apprentissage. Hélas, les mœurs et le système éducatif n’évoluent pas au rythme des découvertes scientifiques.

Bien qu’il soit avéré depuis longtemps que la pratique de la danse contribue au développement psychosocial et moteur de l’enfant, elle est loin de s’inscrire dans les programmes scolaires. Et si des études pointent que les expériences sensorielles et esthétiques contribuent à la construction et au développement de l’enfant, on rechigne encore à offrir plus de spectacles chorégraphiques aux jeunes générations. Entre autres, parce que les adultes qui prennent ces décisions sont coupés de leur corps, ignorants des pouvoirs fabuleux du langage gestuel et de la capacité des enfants à le métaboliser pour élaborer une vision singulière du monde et s’y tailler une place.

Car le mouvement est un acte de communication. Ainsi, l’œuvre chorégraphique établit une relation entre la scène et la salle. Elle permet à l’enfant de découvrir son corps à travers celui des danseurs et offre à l’adulte l’occasion rare d’une connexion sensible à soi. Un temps d’arrêt dans la course du temps où, dans l’indicible et l’invisible, l’être se ressource et, d’une certaine manière, se réinvente. Tout spectateur de danse aurait d’ailleurs intérêt à s’inspirer des jeunes esprits encore libres de formatage qui, plutôt que de chercher désespérément du sens dans les formes abstraites, le laissent émerger en donnant libre cours à leur imaginaire, à leur capacité d’accueil et d’émerveillement.

À l’heure où l’on pousse les professionnels de la danse à investir les espaces virtuels et à se saisir du numérique pour conquérir de nouveaux publics et ne pas perdre ceux que menace la vague du tout-écran et du zapping, le corps pèse bien peu dans la balance de l’innovation. On continue de vouloir le dominer, le contrôler, le formater et on travaille à l’augmenter grâce aux technologies alors que des incursions dans les territoires inexplorés de la somatique pourraient nous ouvrir de nouveaux champs de conscience et des pistes d’évolution insoupçonnées. Folie d’un progrès qui oblitère un pan fondamental de cette humanité dont se nourrit la danse et à laquelle elle nous relie.

 

Fabienne Cabado 
Directrice générale du Regroupement québécois de la danse 

 

* Proprioception : capacité de percevoir du corps, des membres, du mouvement et de la position dans l’espace.

 

Hommage à Martine Époque, grande dame de la danse

C’est dans une sobre et chaleureuse ambiance de recueillement que s’est déroulée la soirée hommage à Martine Époque, décédée le 19 janvier 2018 à l’âge de 76 ans. Le 27 mars dernier, dans la salle de spectacle du Département de danse de l’UQAM, collègues, collaborateurs et amis ont livré de touchants témoignages. Fabienne Cabado, directrice générale du Regroupement québécois de la danse (RQD) y prononçait une allocution pour saluer cette figure incontournable du paysage de la danse contemporaine au Québec.

Entre les anecdotes et la grande histoire de madame Époque, les souvenirs de son sourire inoubliable et de son indéfectible générosité, la commémoration s’est déroulée avec la prestation d’un extrait de sa pièce phare, Amiboïsmes, la projection du film Coda et un chant interprété par sa fille, Karine Poulin. La reconnaissance et la gratitude pour l’héritage inestimable de cette pionnière étaient palpables. Un hommage riche et émouvant, une soirée favorisant la rencontre et l’échange, toute à l’image de cette grande dame dont le milieu de la danse se souviendra.

Merci et salut, Martine Époque!

Allocution de Fabienne Cabado
Vidéo de la cérémonie
Actualités UQAM

 

Entre solitaires

// English version

J’ai eu d’innombrables conversations au sujet de la solitude. Être chorégraphe, surtout comme artiste indépendant, est souvent synonyme de nombreuses heures de travail seul devant un ordinateur. Faire face aux enjeux artistiques et administratifs est intimidant, d’autant plus dans l’isolement de la maison-bureau (soit le divan du salon). Pour affronter ces défis, de plus en plus d’individus et d’organisations proposent des initiatives qui mettent l’accent sur le partage, l’échange et l’entraide mutuelle. De nouveaux modèles de compagnies collectives, de plateformes de co-working et de regroupements formels ou informels d’artistes permettent de partager des informations, des ressources ou même du temps de studio. Je souhaite présenter ici quelques-uns de ces projets coopératifs ouverts et accessibles à tous dans notre milieu.

 

Co-développement professionnel au RQD 
Depuis le printemps 2017 jusqu’en janvier 2018, j’ai eu le plaisir de me joindre à cinq artistes dans le cadre d’un groupe de co-développement destiné aux chorégraphes. Ce groupe organisé par le Regroupement québécois de la danse était animé avec grande sensibilité par Pierre Morin.

Les participantes, toutes des femmes, représentaient une grande variété d’âges, d’expériences, de parcours, de préoccupations, et d’objectifs de carrière. À chaque rencontre mensuelle, une participante était invitée à endosser le rôle de client, exposant un défi professionnel ou une problématique liée au milieu du travail. Suivant une structure spécifique, ce client décrivait alors sa situation et ses besoins. Puis, à leur tour, les membres du groupe travaillaient ensemble pour trouver des solutions ou de nouvelles approches au problème.

Je pourrais parler longuement des différents enjeux que nous avons abordés au cours de nos discussions. Nous avons traité un large éventail de sujets, qu’ils soient logistiques, créatifs ou existentiels. Cependant, la principale leçon que j’en ai tirée est l’importance d’aller chercher des conseils et du soutien au-delà de mon réseau social et professionnel habituel. Nos échanges ont été stimulants, étonnants, parfois même frustrants, mais j’ai énormément appris de ce processus.

 

La Piscine 
Organisée par Les Réservoirs (Élise Bergeron, Marie-France Jacques, Alexia Martel et Audrey Rochette), La Piscine crée de nouvelles opportunités de recherche artistique fondamentale hors du cadre habituel de production en permettant d’explorer une idée qui ne serait pas suffisamment aboutie pour faire l’objet d’une demande de subvention ou pour s’engager dans un projet de longue haleine.

La Piscine est une plateforme permettant aux chorégraphes de proposer une exploration artistique courte (entre 1 à 2 répétitions). Les danseurs peuvent se porter volontaires pour prendre part à toute proposition d’exploration créative qui les intéresse. Conscient de l’enjeu systémique de la non-rémunération dans notre milieu, ainsi que de la réalité financière de nombreux chorégraphes, La Piscine met l’accent sur la réciprocité entre chorégraphes et interprètes. Par exemple, les danseurs sont accueillis selon le principe du premier arrivé, premier servi. Cette règle permet de renverser la structure habituelle de sélection selon laquelle l’interprète doit attendre d’être invité à un processus de création par le chorégraphe. Or ici, ce sont eux qui choisissent les propositions qui les intéressent. De cette façon, La Piscine cherche à encourager la création de nouveaux liens inattendus entre chorégraphes et interprètes, tout en permettant à tous les artistes de prendre des risques et d’explorer de nouvelles idées.

 

ITINÉRANT – L’espace des chorégraphes
Je co-organise ce projet en collaboration avec Katie Ward depuis 2 ans. Nos rencontres mensuelles offrent l’opportunité aux créateurs des arts de la scène de présenter leurs créations en chantier et les exercent à donner et à recevoir des commentaires critiques. Toute personne s’auto-identifiant comme artiste professionnel est libre de participer, quels que soient son âge, son parcours, ses aptitudes ou ses choix esthétiques. Notre seule exigence est que chaque participant soit ouvert à partager quelque chose, ce qui assure une atmosphère de vulnérabilité et d’investissement réciproque.

 

Chorégraphes Anonymes 
Initié par la 2e Porte à Gauche, en partenariat avec Circuit-Est centre chorégraphique et animé par Frédérick Gravel, Chorégraphes Anonymes offre aux chorégraphes un espace d’échange autour de problématiques liées à la création et à la production. La prochaine séance, organisée le 19 mars, sera consacrée à la question: «Se renouveler ou s’obstiner? » Je suis impatiente d’y assister et j’espère y rencontrer certain.e.s d’entre vous!

 

En mettant l’accent sur l’horizontalité et la réciprocité, ces projets offrent un espace de convergence privilégié pour des artistes aux esthétiques, affinités et générations variées. Espérons que ces rencontres permettront aux participants de pallier leur solitude, mais aussi de reconsidérer leurs préjugés et d’en apprendre davantage sur les différentes options de carrières et pratiques de création en danse.
 

Dorian Nuskind-Oder

 

 

Dorian Nuskind-Oder  © Simon Grenier-Poirier 

 

Quatre œuvres phares du patrimoine chorégraphique québécois

Quelles sont les œuvres les plus marquantes de l’histoire de la danse au Québec? Le RQD a sondé l’opinion de la communauté de la danse en vue d’une conférence organisée en novembre dernier par la Table de réflexion sur l’archivage, la conservation et l’éducation sur le spectacle vivant (TRACES). Plus de cinquante personnes se sont prêtées au jeu. Résultat des courses: sur la vingtaine d’œuvres qui semblent avoir le plus imprégné notre imaginaire collectif, quatre se sont distinguées.

Joe (1984)
du chorégraphe Jean-Pierre Perreault

 

Human Sex (1985)
du chorégraphe Édouard Lock, La La la Human Steps

 

Le Sacre du printemps (1993) ex-aequo avec bODY_rEMIX (2005)
de la chorégraphe Marie Chouinard, Compagne Marie Chouinard

 

 

D’après nos répondants, ces œuvres ont marqué un tournant dans l’histoire de la création contemporaine en danse avec l’émergence de nouveaux langages chorégraphiques. La force, la profondeur des propos et l’équilibre formel des œuvres ont également été soulignés.

 

Only the lonely

// Version française

I have had many conversations that hinge on the question of loneliness. Working as a choreographer, especially as an independent artist, can mean spending a lot of hours alone in front of a computer. Navigating artistic and administrative challenges can feel daunting, and even more so from the isolation of a home/office (aka the living room couch).  In response, I have seen both individuals and organizations propose a number of initiatives that emphasize sharing and mutual support. There are new collective company models, co-working platforms, and groups of artists gathering formally or informally to share information, resources, and even studio time. Here, I’d like to focus on a few cooperative projects, all of which are open and accessible to anyone within our milieu.

 

Professional co-development at the RQD 
Beginning in the spring of 2017, and continuing through January 2018, I had the pleasure of joining five other artists as part of a co-development group for choreographers. This group was organized by the Regroupement québécois de la danse, and facilitated with great sensitivity by Pierre Morin.

The participants, all women, were a mix in terms of age, experience, current pre-occupations and career goals. During each monthly meeting, one member of the group became the client, proposing a professional challenge or work-related problem. Following a specific format, this client would outline their situation and their current needs. In turn, the rest of the group would work to find possible solutions, or fresh approaches to the problem.

I could speak at length about all of the different types of issues we discussed. The ground we covered included all things practical, creative and existential. The most important thing I learned, however, was the value of seeking advice and support from people outside of my normal social and professional circles. Our conversations challenged, surprised, and at times frustrated me, but ultimately I learned a lot from the process.

 

La Piscine 
Organized by Les Réservoirs (Elise Bergeron, Marie-France Jacques, Alexia Martel and Audrey Rochette), La Piscine  creates new opportunities to engage in fundamental artistic research, allowing choreographers to explore an idea that might not be ready for a grant application or an extended creation period. It’s a platform where choreographers can launch a proposal for a short (1-2 rehearsals) creative exploration. Dancers can then volunteer to participate in any proposal that they find interesting. Aware of the systemic problem of unpaid labor in our milieu, but also aware of the financial reality of many choreographers, La Piscine emphasizes a reciprocity between the choreographers and the dancers who participate. For example, choreographers are asked to welcome dancers on a first-come first-served basis. This rule helps to subvert the usual structure in which a dancer must wait to be invited into a creative process. Here, they can pick and choose which proposals are the most interesting to them. In this way, La Piscine hopes to facilitate new and unexpected connections between choreographers and performers, while offering both artists the chance to take risks and explore new ideas.

 

ITINERANT – choreographers’ space
I have been co-organizing this project with Katie Ward for the past 2 years. Our monthly gatherings are a place for performance makers to show work-in-progress and practice giving and receiving critical feedback. Anyone who self-identifies as a professional artist can participate regardless of age, background, ability, or aesthetic. The only requirement is that everyone who attends must come with something to share. This ensures an atmosphere of mutual vulnerability and investment.

 

Chorégraphes Anonymes 
Initiated by la 2e Porte à Gauche in partnership with Circuit-Est centre chorégraphique, and hosted by Frédérick Gravel, Chorégraphes Anonymes is envisioned as a collaborative session offering choreographers the
opportunity to discuss issues related to creation/production. There is one coming up on March 19th organized around the question “To renew oneself or to persist?” I’m looking forward to attending and hope to see some you there as well!

 

With an emphasis on horizontality and reciprocity, all these projects propose a meeting point for artists of different aesthetics, affinities and generations. Hopefully, these intersections not only help participants to feel less alone, but also challenge them to reconsider assumptions and learn more about the many different ways in which people create and pursue careers in dance.

 

Dorian Nuskind-Oder

 

 

Dorian Nuskind-Oder © Simon Grenier-Poirier 

 

Arts et oppression systémique

Journée internationale des droits des femmes: plusieurs millions d’Espagnoles scandent que c’en est assez de la suprématie masculine. Leur mobilisation résonne comme le point d’orgue des voix qui s’élèvent depuis des mois pour que cessent les violences séculaires faites aux femmes. Je fantasme sur l’idée que nous approchons d’un point de rupture et que la discrimination, quelle qu’elle soit, pourrait s’inscrire un jour dans un temps révolu de l’histoire de l’humanité. Il faut dire que la grogne des opprimés se fait de plus en plus perceptible et persistante, forçant les pouvoirs publics à reconnaître certains dysfonctionnements et à promouvoir les notions d’équité et d’inclusion. Dans ce contexte, artistes et travailleurs culturels auraient avantage à hausser le ton pour dénoncer le sort qui leur est réservé et faire valoir leurs droits.

Parler d’oppression pour les artistes et les travailleurs culturels peut sembler excessif, d’autant que les industries culturelles produisent un joli lot de privilégiés. Mais si l’on se réfère à celles et ceux qui défrichent les chemins moins fréquentés de la création contemporaine, de l’expérimental, de l’avant-garde, l’idée mérite d’être creusée. Je me risque donc, en toute humilité, à une variation libre sur le sujet.

On parle d’oppression systémique quand un système politique et socioéconomique produit et renforce des inégalités et des discriminations pour une partie de la population. Une oppression fondée sur les privilèges d’un groupe dominant dont les membres partagent une caractéristique considérée comme la norme, comme supérieure. En conséquence, ceux et celles qui ne possèdent pas cette caractéristique ou n’adhèrent pas à cette norme vivent un nombre d’injustices si bien ancrées dans les habitudes qu’elles ne sont pas identifiées comme telles. Ceci dit, la norme qui m’amène à parler d’oppression de la communauté artistique circonscrite plus haut, c’est celle de l’idéologie capitaliste. Ce qui rend cette communauté victime de discrimination, c’est la supériorité de l’économie sur nos besoins existentiels.

De par sa nature et de par sa vocation, la création artistique exige un financement qui ne soit pas déterminé par l’offre et la demande, la productivité et le retour sur investissement. C’est pourtant ce que sous-tendent les nouvelles politiques culturelles et certains critères d’évaluation des conseils des arts. Reconnus comme indispensables mais historiquement sous-financés, les arts ne figurent ni dans les priorités gouvernementales ni dans les plateformes électorales. Les artistes et les travailleurs culturels vivent une précarité grandissante dont on s’émeut bien peu. Personne ne reconnaît vraiment que les retombées économiques de leur travail profitent à d’autres secteurs que le leur – transports, restauration, tourisme… Le piratage décomplexé sur le web et le pillage en règle des droits d’auteur sont des exemples parmi d’autres du non-respect des droits les plus élémentaires des citoyens de la communauté artistique. Je vois là des signes d’une oppression systémique.

On parle par ailleurs de discrimination quand on impose à une personne ou à un groupe un fardeau, qu’on l’empêche d’avoir accès aux privilèges, bénéfices ou avantages offerts à d’autres, en raison de ses caractéristiques particulières. La faible rémunération des ressources humaines en culture, l’absence de filet social, de plans de retraite, les mesures auxquelles les 60% de travailleurs autonomes du secteur culturel n’ont pas accès, les milliers d’heures travaillées chaque année sans rémunération, la précarité rendant difficile le respect de la Loi sur le statut de l’artiste, les cachets misérables pour les œuvres présentées aux jeunes publics… Ne sont-ce pas là des facteurs de discrimination?

Toute oppression systémique est légitimée par une ribambelle de préjugés nourris par les stéréotypes. Parmi ceux-ci, on entend souvent que travailler dans les arts est si plaisant que cela justifie des salaires de misère, que les artistes vivent aux crochets du contribuable, que les œuvres qui ne recueillent pas l’adhésion générale ne méritent pas d’être présentées, qu’être artiste n’est pas un « vrai métier »… Tout cela est faux.

C’est pourquoi nous, artistes et travailleurs culturels, réclamons des élus de quelque parti que ce soit qu’ils forgent une vision de développement durable pour les arts et trouvent les moyens de lui donner corps. C’est une question d’identité nationale et de justice sociale.


Fabienne Cabado 
Directrice générale du Regroupement québécois de la danse