Inclusion and Accessibility as The Number One Priority

// Version française

My name is Hanako Hoshimi-Caines. I use the pronoun “she”. I was born in Quebec to immigrant parents. My whiteness changes depending on the situation in which I find myself. When I was a kid, I was more conscious of not being white. I take the position that politics are always at work and so there is no situation that evades it. I understand being an artist as being involved in a certain kind of subtle activism, which includes, among other things, engaging in the truth of plurality and the interdependence of identities. I used to adhere to the elitism of contemporary/high art simply by accepting “quality” as a universal notion with objective criteria, not situated within any particular culture. I see this now as a way of unconsciously maintaining and reproducing my own whiteness. In writing this text, I want to send deep respect to the people who have dedicated their time to equity and justice on a regular and ongoing basis.

Rethinking the arts hierarchy
As a kid, I often went to the MAI (Montréal, arts interculturels) with my mother, a community worker. I’d think: This is great, but I’m not going to make community art or cultural art; I’m going to make “real” art. This hierarchy, or elitism, in which contemporary art is placed above cultural art, is not neutral and is one way in which white Western European values shapes what is standard, or simply what is the norm. Although I still need to work on dismantling the rigidity of these categorical differences in my own mind, I can say that I see things in nearly opposite terms today: this aesthetic hierarchy, which suppresses a multiplicity of perspectives and maintains blind spots, does not and cannot give value to my work, but impoverishes it ethically as well as aesthetically. And I want what I do to be meaningful. Working to dismantle racist, sexist, classist, ageist and ableist exclusionary structures is the only way of making anything of real value. The MAI is not special and different because it shows cultural art as opposed to “high art”, it is special and different because it responds to the whiteness of contemporary art and steps up to open space for a plural reality. I came to “include” the MAI in my understanding of standard art and contemporaneity, which changed how I think of and approach my own work. “Inclusivity” as an institutional goal is problematic when it means integration into established hegemonic norms. “Inclusion” is desirable when it involves an internal process of transformation, an active organization and reorganization of a place with the fluidity of plurality.

Dialogue at the heart of the institution
I’d like to share a recent experience I had this past November, when I spent two weeks working with artist Tanya Lukin Linklater as part of the exhibition Art for a New Understanding: Native Voices, 1950s to Now at the Crystal Bridges museum in Bentonville, Arkansas. I was struck by how the place didn’t feel elitist and very soon understood, by speaking to as many different and diverse staff members as I could, that this feeling was not accidental: inclusivity and accessibility was their number one priority. Two initiatives stood out: I was told that anyone working at the museum could start a group to advocate for the needs and interests of marginalized and underrepresented peoples. Each group decides how membership is allocated and what constitutes an ally, i.e. that being an ally involves listening, becoming knowledgeable about specific needs and taking action accordingly. The group shares current events and important issues at quarterly meetings that all staff attends. Secondly, there are numerous informational and educational sessions about the art, the artists and the salient political points of the temporary exhibitions, so that every person working at the museum can be a knowledgeable and welcoming host to visitors and artists alike. These actions translated into a place that belonged to the people working there, no matter the position they occupied within the museum hierarchy. The sense of individual agency for a diverse group of people made the space “inclusive”. Making the place livable and welcoming to everyone involved accepting disagreement and imperfection as an ongoing part of making the museum better. That I am surprised at all by this experience made clear how habituated I am to the feeling of elitism in most contemporary art and dance spaces in Quebec.

From this I would like to see dance and art institutions in Montreal make inclusion and accessibility the number one ongoing priority, as opposed to seeing it as an adjacent institutional goal. And as I saw at the Crystal Bridges museum in Arkansas, this begins inside the institution. The facilitation of plurality, through the divestment of hegemonic and hierarchical power, is not separate from but integral to an active and actual formulation of “contemporary” artistic quality.

Hanako Hoshimi-Caines is a choreographer and dancer based in Montreal. She is committed to an emo-critical engagement to dance, choreography and philosophy as a way to see, feel and love better. And what she means by love is an ambiguous kind of knowledge that is necessarily embodied, transformative and involves time and intimacy with things. Her works have been shown in Canada at Agora de la danse, Phi Centre, the MAI, Tangente, Studio 303, OFFTA, the 3rd floor residency at the Usine C, POP Montreal, as well as Riksteatern (Stockholm), Kampnagel (Hamburg), Kunstfestival BEGEHUNGEN No. 9 (Chemnitz) and DNK (Sofia, Bulgaria). Hanako has performed for/collaborated with Stephen Thompson and Andrew Tay, Jacob Wren, Adam Kinner, Frédérick Gravel, Tanya Lukin-Linklater, José Navas and with the Cullberg Ballet (Stockholm) with Benoît Lachambre, Deborah Hay, William Forsythe (Human Writes) and Jefta Van Dinther amongst others. She is currently pursuing a degree in philosophy at Concordia University with a penchant for feminist ethics and performativity. Her next work titled Radio III will premier at the MAI (Montreal, arts interculturels) in June 2019.

Hanako Hoshimi-Caines © Nadège Grebmeier Forget

L’inclusion et l’accessibilité comme priorité numéro un

// English version

Je m’appelle Hanako Hoshimi-Caines. J’utilise le pronom «elle». Je suis née au Québec de parents immigrants. Je dirais que ma «blancheur» dépend de la situation dans laquelle je me trouve. Quand j’étais petite, j’étais plus consciente de ne pas être blanche. Pour moi, le politique est partout et il n’y a donc aucun moyen de l’éviter. Je vois l’artiste comme une sorte de militant qui s’implique de façon concrète dans et pour la pluralité et l’interdépendance des identités. Par le passé, j’ai adhéré à l’élitisme de l’art contemporain en acceptant la «qualité» comme principe universel aux critères objectifs, non situé dans un contexte culturel en particulier. Je pense aujourd’hui qu’il s’agissait inconsciemment pour moi de conserver et d’entretenir ma «blancheur». Par ce texte, j’espère rendre hommage à tous ceux qui ont dédié et qui dédient aujourd’hui encore leur vie à la lutte pour l’égalité et la justice.

Repenser la hiérarchie dans les arts
Enfant, je suis souvent allée au MAI (Montréal, Arts Interculturels) avec ma mère, qui était travailleuse communautaire. Je pensais: «Tout ça c’est très bien mais je ne ferai pas de l’art communautaire ou interculturel, je ferai du «vrai» art». Cette hiérarchie, ou élitisme au sein duquel l’art contemporain se place au-dessus de l’art communautaire, n’est pas neutre. Ils résultent du pouvoir des valeurs blanches européennes occidentales qui décide des standards de qualité. Alors que je travaille encore aujourd’hui à déconstruire la rigidité de ces catégories toujours très présentes à mon esprit, je peux dire que je vois désormais les choses de façon complètement différente: cette hiérarchie esthétique, qui empêche de nombreuses perspectives, ne peut et ne doit conférer aucune valeur à mon travail. Bien au contraire, elle appauvrit l’éthique et l’esthétique de mes créations. Et je veux que mon art soit significatif. Travailler à la déconstruction des structures d’exclusion racistes, sexistes, classistes, âgistes et validistes est la seule façon de produire du sens. Le MAI n’est pas spécial ou différent parce qu’il programme de l’art multiculturel plutôt que du «grand art», il l’est parce qu’il répond à la «blancheur» de l’art contemporain en donnant de la visibilité à une pluralité existante. J’en suis arrivée à inclure le MAI dans ma définition de l’art «vrai» et de la contemporanéité, définition qui a changé ma façon de penser et de travailler. L’inclusion en tant qu’objectif institutionnel est impossible s’il s’agit d’intégrer l’hégémonie des normes établies. L’inclusion est bénéfique quand elle implique une opération interne de transformation, un bouleversement actif et fluide grâce au pluralisme.

Un dialogue au cœur de l’institution
Je souhaiterais partager ici une expérience récente vécue en novembre dernier alors que je travaillais avec l’artiste Tanya Lukin Linklater sur l’exposition Art for a New Understanding: Native Voices, 1950s to Now au Musée Crystal Bridges de Bentonville en Arkansas. J’ai été frappée par l’hospitalité de l’endroit et j’ai rapidement compris, au travers de conversations avec les employés, que cette impression n’était pas fortuite: l’inclusion et l’accessibilité sont leur priorité numéro un.

Deux initiatives ont été mises en place afin de concrétiser cette priorité: n’importe quel(le) employé(e) du musée peut lancer un groupe de défense des intérêts de populations marginalisées ou minoritaires. Chaque groupe décide de ses conditions d’entrée et définit lui-même ses alliés: être un allié signifie être à l’écoute, s’informer des luttes et agir avec la connaissance des besoins spécifiques. Les groupes peuvent présenter leurs enjeux et actualités lors de réunions trimestrielles auxquelles participent tous les employés. Il existe également de nombreuses sessions d’information portant sur l’art, les artistes et les questions politiques présentés dans les expositions temporaires, afin que chaque employé puisse offrir un accueil informé aux visiteurs comme aux équipes artistiques invitées. Ces diverses actions font du musée un lieu d’appartenance pour tous ceux qui y travaillent, qu’importe leur place dans la hiérarchie. L’encouragement des initiatives individuelles ont fait du musée un lieu «inclusif». Et ce qui le rend si accueillant, c’est l’acceptation de la différence et de l’imperfection, qui y sont considérées comme normales et constituantes de l’identité du musée. Le fait que j’ai été si surprise par cet environnement montre bien à quel point je suis habituée à l’élitisme des espaces d’art contemporain au Québec.

À cet égard, je voudrais voir les institutions culturelles faire de l’inclusion et de l’accessibilité une priorité permanente, et non un objectif parmi tant d’autres. Comme j’ai pu l’observer au Musée Crystal Bridges, cela commence au cœur de l’institution. La facilitation du pluralisme, à travers l’abandon du pouvoir hégémonique et hiérarchique, n’est pas indépendante mais bien partie prenante de l’élaboration d’une véritable qualité artistique «contemporaine».

Hanako Hoshimi-Caines est une chorégraphe et danseuse basée à Montréal. Elle a un engagement émo-critique avec la danse, la chorégraphie et la philosophie comme moyen de voir, de ressentir et d’aimer mieux. Et ce qu’elle entend par amour, c’est une sorte de connaissance ambiguë qui est nécessairement incarnée, transformatrice et qui implique temps et intimité avec les choses. Ses œuvres ont été montrées à l’Agora de la danse, au Phi Center, au MAI, au Tangente, au Studio 303, à OFFTA, au 3ème étage de la résidence à l’Usine C, POP Montréal, ainsi qu’à Riksteatern (Stockholm), Kampnagel (Hambourg) Kunstfestival BEGEHUNGEN N ° 9 (Chemnitz) et DNK (Sofia). Hanako a dansé/collaboré avec Stephen Thompson et Andrew Tay, Jacob Wren, Adam Kinner, Frédérick Gravel, Tanya Lukin-Linklater, José Navas et avec le Cullberg Ballet (Stockholm) avec Benoît Lachambre, Deborah Hay, William Forsythe (Human Writes) et Jefta Van Dinther, entre autres. Elle poursuit actuellement des études en philosophie à l’Université Concordia avec un penchant pour l’éthique féministe et la performativité. Sa prochaine oeuvre intitulée Radio III sera présentée en première au MAI (Montréal, arts interculturels) en juin 2019.

Hanako Hoshimi-Caines © Nadège Grebmeier Forget

Ralentir la course du temps

Entre bilans et résolutions, le temps des Fêtes offre un espace de ressourcement pour remettre à l’heure nos pendules internes et imaginer comment éviter qu’elles ne se dérèglent à nouveau. Tandis que l’on répond collectivement aux besoins de lien et de solidarité, on ose aussi prendre soin de soi en s’autorisant le cocooning, la jachère intellectuelle et les plaisirs de la chère. Comment profiter de cette trêve foisonnante de nobles sentiments pour développer une pratique active de l’art du temps et de la bienveillance à importer au quotidien?

D’abord, préciser que cette vision idyllique de la période des Fêtes est loin d’être une réalité pour tout le monde. Bien des artistes et des travailleurs culturels ne jouissent pas du privilège de congés payés en fin d’année et nombre d’entre eux en profiteront pour boucler des dossiers en retard ou répondre aux commandes de leurs clients. Bien des salariés en vacances ne parviendront pas non plus à libérer leur mental des inquiétudes pour le futur de leur carrière ou de leur organisme.

Conséquence funeste d’un sous-financement chronique, le manque de temps et le stress caracolent en tête de liste de ce qui affecte les professionnels de la danse. Une grande majorité d’entre nous travaille bien plus que de raison. Bien sûr, certains réussissent à prioriser, à anticiper, à gérer les imprévus, à s’affranchir du perfectionnisme au profit de l’efficacité… D’autres craquent sous la pression, tombent malades ou deviennent invivables pour leurs collaborateurs. De fait, violences psychologiques et épuisement professionnel trouvent un terreau fertile dans la précarité. D’où l’intérêt de chercher à dépasser la notion productiviste de gestion du temps pour adopter une approche plus existentielle de notre rapport au temps et en viser une forme de maîtrise.

À quoi est-ce que je passe mon temps? Que serait selon moi un bon usage du temps? À quels habitudes ou projets devrais-je renoncer pour mener à bien ma carrière, ma mission? Quel temps devrais-je m’allouer pour préserver ma santé mentale et un juste équilibre entre mes vies professionnelle et personnelle? Certaines de ces questions sont quasiment taboues dans un domaine où l’humain se sacrifie d’emblée sur l’autel des œuvres et de la cause des arts. «Que voulez-vous? Ce sont les conditions dans ce secteur économique et on n’y changera rien; il faudra toujours en faire plus quelles que soient nos ressources», nous dira-t-on. Pourtant, en cette époque agitée où on en appelle à l’éveil des consciences et aux actions concrètes pour contrer les inégalités sociales et la débâcle environnementale, répondre à ces questions pourrait nous donner un portrait juste, et vraisemblablement alarmant, de notre réalité. Qui sait si nous ne trouverions pas, dans cet exercice, de nouveaux arguments pour exposer les enjeux des conditions socioéconomiques dans notre secteur disciplinaire et de nouvelles stratégies pour y répondre.

Et c’est là qu’entre en jeu l’idée de bienveillance, envers soi-même autant qu’envers les autres. «Bien veiller» aux intérêts communs des professionnels de la danse et au bien-être de chacun. Organiser une résistance en replaçant l’humain au centre de nos réflexions et de nos choix, en misant sur l’écoute, le respect, l’inclusion, la coopération et, pourquoi pas, sur la «coopétition» avec nos concurrents. Tisser encore plus serré notre communauté pour réclamer encore plus haut et fort les moyens financiers d’avoir le temps de créer, de construire l’avenir et de bénéficier aussi du temps de vivre. Les utopies de l’heure peuvent être les réalités de demain.

Fabienne Cabado
Directrice générale du Regroupement québécois de la danse

Appropriation culturelle et racisme systémique: bilan de l’atelier du RDV annuel

Plus d’une cinquantaine de membres du Regroupement québécois de la danse (RQD) se sont réunis en atelier à l’occasion du Rendez-vous annuel des membres 2018 pour réfléchir et dialoguer sur les notions de racisme systémique et d’appropriation culturelle. À la fois indispensable et fort attendue, cette discussion a été riche de partages, de prises de conscience et d’idées pour un milieu de la danse plus inclusif.

Mieux comprendre les concepts
En première partie de l’atelier, Nadia Hajji, chargée de recherche à Diversité artistique Montréal (DAM), a démystifié les concepts encore mal compris de privilège blanc, de colonialisme, de racisme systémique et d’appropriation culturelle. La conférencière s’est attachée à lever l’ambiguïté entre le racisme et le racisme systémique, décrivant ce dernier comme un phénomène sociétal ancré dans un passé colonial, où des biais culturels implicites ou inconscients contribuent à perpétuer les exclusions. Elle a invité à reconnaître ces biais comme une première étape vers un débat sain, ouvert et rassembleur. Cette entrée en matière a permis aux participants de mieux comprendre les exclusions auxquelles font face les Autochtones, les minorités et les personnes racisées et ainsi de mieux faire le parallèle entre la discrimination systémique à l’échelle sociale et celle vécue plus spécifiquement dans le milieu de la danse professionnelle.

Aborder des questions sensibles dans un esprit de solidarité
En deuxième partie de l’atelier, des membres du comité Inclusion et vivre-ensemble (IVE) ont partagé le fruit de leurs réflexions sur les problématiques de l’inclusion dans le milieu de la danse. Valérie Lessard, chargée de projet des relations professionnelles au RQD, a présenté les travaux de la cellule éducation du comité, tandis que Bettina Szabo et Hanako Hoshimi-Caines, toutes deux artistes en danse et membres du comité IVE, ont présenté respectivement les cellules de réflexion sur l’esthétique et la création, la représentation dans les institutions et les ressources à développer pour le milieu. Rappelons que les séances de travail du comité visaient à réfléchir sur les notions de décolonisation et d’appropriation culturelle ainsi qu’à identifier les exclusions à l’œuvre dans le milieu en les situant dans leurs différents contextes, institutionnels (organismes, subventionnaires, écoles de formation professionnelle, diffuseurs) et esthétiques (compagnies, styles, création indépendante, etc.).

Les constats du comité IVE ont contribué à l’élaboration d’une série de questions soumises par la suite aux participants de l’atelier, invités à répondre à celles de leur choix dans un cercle de parole. La sous-représentation de certains groupes dans les œuvres et sur scène, la polarisation du débat entre l’appropriation culturelle et la liberté de création, les barrières à l’entrée pour la professionnalisation, la hiérarchie des styles de danse, l’accès aux bourses et la discrimination positive liée au financement des artistes racisés ou dits de la diversité furent autant de sujets abordés. Ces questions qui ébranlent philosophiquement et conceptuellement toute la chaîne de création cherchaient à prendre la mesure des sensibilités individuelles et collectives sur le phénomène de la discrimination dans l’écosystème particulier de la danse.

Les questions ont été lues à haute voix et la conversation s’est déroulée selon un modus operandi créé par Camille Renarhd dans le cadre de sa recherche doctorale et faisant partie d’une pratique plus large appelée «Embodied talk». Ce système de partage équitable de la parole a permis aux membres de s’exprimer verbalement, mais aussi d’écrire leurs réflexions, commentaires et souhaits sur des cartes que le RQD a ensuite recueillies et analysées.

De la responsabilité individuelle et collective
À la lumière des paroles échangées et des commentaires écrits par les membres, les notions de responsabilité et d’ouverture sont apparues comme les plus fondamentales. Dans cet esprit, est souvent revenue la nécessité de «s’éduquer»; une éducation qui passe par la compréhension du vocabulaire relatif au racisme, la connaissance des diverses cultures et de leurs pratiques artistiques, et que l’on peut acquérir par la lecture ou en allant voir leurs spectacles. L’idée de responsabilité suggère également que les personnes qui bénéficient de privilèges le reconnaissent et que nous développions tous une vigilance face aux angles morts et aux risques d’appropriation culturelle. En faveur d’une plus grande ouverture, il a été suggéré de poser des gestes concrets tels que la recherche de collaboration et la consultation avec des artistes d’origines et de pratiques diverses. Désamorcer les peurs liées à la radicalisation, valider et légitimer les revendications associées aux stigmates de la colonisation et au déséquilibre des pouvoirs ont également été soulevés.

Décolonisation et représentativité
Qu’il s’agisse des réflexions du comité IVE ou de celles ayant émergé de l’atelier du RDV annuel, les enjeux relatifs à la création et à l’esthétique suscitent des réactions plus passionnées et soulèvent des questions épineuses. Les notions de professionnalisme et d’excellence, entre autres, sont considérées sous des angles nouveaux. Il est notamment discuté d’éliminer la hiérarchie des esthétiques et de réfléchir plus largement aux influences eurocentristes sur notre conception de l’art en général. Le concept de décolonisation soulève également des questions de représentativité: quels corps pour quelle danse? Quelle danse pour quels publics? Comment apprécier et inclure la différence en évitant les stéréotypes et le tokénisme*? Est-ce que la discrimination positive et les quotas sont des solutions viables à long terme? Des questions qui animent le débat au sein du RQD comme ailleurs.

Poursuivre le dialogue
Le sujet de l’inclusion est encore nouveau pour plusieurs, les interrogations restent nombreuses et le vocabulaire engagé dans les débats ne fait pas toujours consensus. Entre les craintes d’offenser et celles de censurer, entre la volonté de reconnaître la différence et celle de ne plus la voir, les fragilités sont mises à l’épreuve de part et d’autre. Quoi qu’il en soit, l’intérêt pour les questions d’équité et pour une redéfinition de la notion d’excellence est indéniablement grandissant dans le milieu de la danse. On sent la volonté des membres du RQD de comprendre, d’apprendre, de trouver des solutions pour en arriver à l’équilibre où tous les artistes jouiront de la même égalité des chances, peu importe leur origine, leur langue, leur couleur de peau, leur religion ou leur pratique artistique. Les participants furent nombreux à exprimer le souhait de poursuivre le riche dialogue amorcé lors de cet atelier.

En réponse à ce souhait et afin d’entendre de nouvelles voix et d’inclure le plus de monde possible dans le dialogue, le RQD organise un nouveau cercle de parole, le 10 décembre prochain. C’est par la rencontre et l’échange que la compréhension et la transformation peuvent se faire. Soyez-y!

*Le tokénisme est une pratique visant à faire un effort superficiel ou symbolique d’inclusion de personnes issues des minorités ou de la diversité, dans le seul but de bien paraître.

En complément.

Inscrivez-vous pour participer au cercle de parole du RQD du 10 décembre 2018.
Consultez le Rapport de la consultation sur le racisme systémique dans le milieu des arts, de la culture et des médias à Montréal, dévoilé par DAM cette semaine.

Le RQD et le CRTD collaborent pour améliorer la transition de carrière des interprètes et chorégraphes québécois

Montréal, le 27 novembre 2018 – Le Regroupement québécois de la danse (RQD) et l’antenne québécoise du Centre de ressources et transition pour danseurs (CRTD) sont heureux d’annoncer l’amorce de la consolidation des services offerts aux interprètes en danse et le lancement d’un projet pilote d’accompagnement des chorégraphes en matière de transition de carrière. Le CRTD mettra à profit son expertise et ses ressources pour assurer la réalisation du mandat en collaboration avec le RQD qui administrera l’aide financière de 150 000 $ octroyée par le ministère de la Culture et des Communications (MCC). Le financement de ces projets s’inscrit dans le plan d’action de la Politique culturelle du Québec.

Le premier volet du projet vise à consolider, accroître et promouvoir les services offerts par le bureau du Québec du CRTD aux danseuses et danseurs établis dans la province. Il comprend notamment la création de deux nouveaux postes, l’un aux communications et l’autre à la coordination du soutien aux membres et à la communauté.

Le second volet prévoit la mise en place d’un projet pilote d’accompagnement à la transition de carrière pour les acteurs, musiciens, artistes du cirque et chorégraphes. Cinq chorégraphes québécois auront ainsi la chance de bénéficier d’un accompagnement personnalisé dans leur cheminement de transition de carrière en profitant des programmes, services et soutien financier du bureau du Québec du CRTD. Le RQD et le CRTD lanceront un appel à participation au mois de décembre 2018. En parallèle, le MCC mènera une étude pour évaluer les besoins des artistes en arts de la scène et la nature des services à mettre en place pour mieux les accompagner.

Le RQD rassemble et représente plus de 500 professionnels de la danse de recherche, de création ou de répertoire et joue un rôle de premier plan dans l’avancement de tous les secteurs de la discipline : création, production, diffusion, formation, service. Il contribue activement à la reconnaissance et à l’amélioration des conditions de pratique de la danse sur la scène publique depuis près de 35 ans.

Le CRTD est un organisme sans but lucratif fondé en 1985 qui compte près de 700 membres et dont le bureau du Québec a été ouvert en 2002. Le CRTD soutient les danseurs dans les diverses phases de transition liées à leur cheminement artistique, professionnel et personnel, qu’ils soient en début de carrière, à mi-carrière ou en période de retrait et leur fournit les outils nécessaires pour atteindre leur plein potentiel. Il s’engage également dans des activités visant à améliorer la situation socioéconomique des artistes à travers le pays.

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Ce projet est réalisé grâce au soutien
financier du gouvernement du Québec

Source:
Coralie Muroni
Responsable des communications du RQD
514 849-4003, poste 222.

Cercle de parole sur l’inclusion et le vivre-ensemble le 10 décembre

// English version

À la demande des participants à l’atelier du 13 octobre dernier sur le racisme systémique et l’appropriation culturelle, dont le succès fut unanime, le RQD organisera deux nouveaux cercles de parole d’ici le printemps prochain. Le premier se tiendra le lundi 10 décembre en soirée et le second, en février ou en mars. D’une durée de deux heures, ils se dérouleront de la même façon que celui du RDV annuel des membres, selon un modus operandi permettant de distribuer la parole équitablement et de s’exprimer également par écrit*. Les messages laissés lors du premier cercle de parole seront d’ailleurs le point de départ de nouveaux échanges où chacun et chacune pourra faire état de ses expériences, questionnements et réflexions dans la perspective de mieux comprendre les enjeux auxquels fait face la communauté de la danse et de la rendre la plus inclusive possible, dans le respect de tous et toutes.

Le 10 décembre, Tangente et l’Agora de la danse nous accueilleront gracieusement dans le studio Paul-André Fortier de l’Édifice Wilder. L’entrée se fera entre 17h et 17h30, heure à laquelle les portes seront closes pour créer l’intimité nécessaire à la nature des partages.

Réservez votre place dès maintenant!

* Le système des Embodied talk a été inventé dans le cadre de la recherche doctorale en cours de Camille Renarhd.

Harcèlement et violence: une trousse à outils pour la gestion des RH en culture

Le Conseil des ressources humaines du secteur culturel (CRHSC) a récemment publié un guide pratique gratuit pour la gestion des ressources humaines (RH) en contexte de harcèlement et de violence à caractère psychologique ou sexuel dans le milieu des arts. En plus d’apporter des conseils éclairés et de rassembler des faits documentés, cet outil aidera les gestionnaires culturels à prévenir le harcèlement, minimiser les risques, établir un code de conduite et comprendre les obligations légales pour protéger leur main-d’œuvre.

Ce nouvel outil gratuit et accessible à tous vient compléter la trousse de gestion des ressources humaines créée par le CRHSC pour favoriser la rétention des employés et développer un environnement de travail sain et sécuritaire dans le secteur culturel (vendue dans son intégralité au coût de 200$).

«La prise de conscience du grand public liée à la grande médiatisation de plusieurs causes et les activités de mouvements comme #Moiaussi et #Timesup ont eu pour effet d’améliorer les protections légales, d’accroître les droits des travailleuses et travailleurs et ont permis aux personnes qui vivaient ou observaient ce type d’inconduite en milieu de travail de la dénoncer davantage et de porter plainte. En raison des changements dans la loi comme dans le climat social ainsi que de l’augmentation des plaintes et des incidents en milieu de travail, Il est crucial pour les organismes artistiques – grands et petits, à but lucratif et sans but lucratif – d’apprendre comment limiter ce type d’inconduite de manière proactive et de s’assurer de bien connaître leurs obligations.»[1]

La trousse à outils Harcèlement et violence en milieu de travail guide les gestionnaires culturels dans la mise en place de procédures et d'une politique sur le harcèlement et la discrimination en milieu de travail, dont elle offre un gabarit. Elle présente également des textes de référence répertoriés par province, une liste de vérification des mesures à prendre et des définitions. Des exemples concrets permettent par ailleurs de bien comprendre ce qui est considéré comme de la violence ou du harcèlement en milieu de travail, les formes qu’ils peuvent prendre et les signes avertisseurs. Concrètement, cette trousse est un outil essentiel pour connaître les lois de protection des droits des travailleurs et, dans le cas de dénonciations, articuler une procédure d’enquête et prévoir des mesures disciplinaires.

La trousse nomme enfin le nécessaire accompagnement de l’employé dans la prévention du harcèlement ou des violences en milieu de travail. Car si l’employeur est dorénavant de mieux en mieux outillé pour faire face à ces enjeux, chaque employé est aussi responsable de prévenir des situations nuisibles à la réalisation de son travail ou de celui d’un collègue.

Employé ou employeur, n'attendez pas pour vous doter des connaissances et des ressources qui vous aideront à limiter les inconduites et les violences et à développer un climat de travail sain et sécuritaire pour tous!

► Consulter le guide

[1] Conseil des ressources humaines du secteur culturel

Éthique des relations professionnelles: bilan de l’atelier du RDV annuel

Les membres du Regroupement québécois de la danse (RQD) ont engagé un dialogue essentiel sur le harcèlement physique et psychologique à l’œuvre dans le milieu de la danse professionnelle lors du Rendez-vous annuel des membres 2018. Une cinquantaine de personnes – artistes, travailleurs culturels, enseignants et représentants d’organismes – ont participé à cet évènement dont l’objectif était de briser la culture du silence qui règne au sein de la discipline. Bilan d’un atelier crucial qui ouvre la voie à de meilleures pratiques.

L’activité, animée par Virginie Maloney, avocate et coordonnatrice de l’Aparté et Chloé Rivard-Bourassa, intervenante psychosociale au Centre d’aide et de lutte contre les agressions à caractère sexuel (CALACS) de l’Ouest-de-l’Île, s’articulait autour de questions élaborées par le RQD pour sonder l’impression générale sur la manifestation d’inconduites dans l’écosystème de la danse. Ces questions visaient à dévoiler collectivement des situations de harcèlement vécues tant dans la formation que dans la pratique professionnelle, à identifier les contextes qui favorisent des interactions malsaines tout en réfléchissant aux meilleures pratiques à adopter pour arriver à créer des espaces sécuritaires pour toutes et tous.

Des questions fondamentales
Quelles sont les situations de harcèlement en danse et quels sont les contextes qui rendent possibles de telles situations? Pourquoi est-il si difficile de s’affirmer ou de dénoncer les abus? Quelles sont les bonnes pratiques à adopter pour lutter contre les abus? À partir de ces questions posées par le RQD, d’autres ont émergé et, à la demande des membres, ont également été posées à tous: comment changer la culture de l’enseignement pour repérer plus tôt les vulnérabilités et les dynamiques de pouvoir? Comment offrir du soutien à la communauté?

Les participants étaient invités à inscrire de façon spontanée leurs réponses aux questions sur des post-its. Assemblées en mosaïque sur un grand mur de la salle, ces réponses ont été lues à haute voix par les intervenantes, ouvrant ainsi une discussion qui a permis aux membres d’en apprendre davantage sur les notions de consentement, d’agression et de harcèlement, et de s’exprimer sur ces enjeux. La quantité des réponses et la récurrence de certaines d’entre elles ont créé une onde de choc.

Mettre des mots sur les maux
Le portrait de la situation ainsi dévoilé par les membres du RQD a mis en lumière les principaux problèmes auxquels font face un nombre grandissant d’artistes et de travailleurs en danse. Les commentaires dénigrants adressés aux étudiants ou aux interprètes, les touchers inappropriés, le sexisme, les dynamiques de pouvoir, la nudité et les violences sexuelles dans la création sont des exemples de situations nommées à maintes reprises.

La précarité financière, la peur de perdre sa réputation et de nuire à sa carrière professionnelle, la banalisation des comportements abusifs et l’absence de conséquences ou de sanctions contre les personnes fautives ont été également soulevés comme étant des facteurs rendant difficiles l’affirmation de soi et la dénonciation. Au studio comme au bureau – il a été déploré qu’un nombre significatif de travailleurs et travailleuses culturels vivent des situations de harcèlement psychologique dans leur milieu de travail –, tout le monde semble touché.

Vers une ère de changement
Compte tenu de la proximité des personnes dans une communauté artistique «tissée serrée», briser le silence représente un défi de taille pour le milieu de la danse, où «tout le monde se connaît» où les agresseurs sont bien souvent «des amis». Il n’empêche que s’informer, écouter l’autre et surtout, parler ont été les maîtres mots de cette matinée où s’est renforcée la conviction que de saines relations professionnelles reposent avant tout sur la communication, le respect et le consentement mutuel.

Il s’est exprimé une forte volonté de revoir en profondeur ce qui est valorisé dans le milieu, ce qui constitue des relations justes et sécuritaires entre chorégraphes et interprètes, entre professeurs et élèves, par exemple. Un usage plus généralisé de politiques contre le harcèlement et d’un code de conduite pour les institutions et les compagnies a été recommandé par plusieurs. Les idées des membres pour un meilleur soutien à la communauté permettent ainsi de mieux orienter les actions du RQD en matière d’information, de sensibilisation et d’accompagnement des victimes d’inconduites.

Le dialogue est amorcé. Énoncer publiquement et collectivement les inconduites représente un grand pas en avant et l’horizon d’un changement de culture est en vue. À nous tous, maintenant, d’oser parler ouvertement.

Passez à l’action
► Procurez-vous l’affiche du code de conduite – produite par l’Union des artistes en collaboration avec une trentaine d’autres associations professionnelles – spécialement conçue pour outiller le secteur culturel en matière de harcèlement. Passez nous voir au bureau pour la récupérer ou téléchargez-la pour l’installer sur les murs de vos bureaux et de vos studios!

► Signez la Déclaration pour un environnement de travail exempt de harcèlement dans le milieu culturel québécois.

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Louise Bédard, lauréate du Prix INTERPRÈTE du RQD

// English version

Le Regroupement québécois de la danse (RQD) et la Caisse Desjardins de la Culture sont heureux de remettre le Prix de la danse de Montréal, catégorie INTERPRÈTE à Louise Bédard, artiste en danse contemporaine à la longue feuille de route, saluée pour sa présence émouvante et son travail d’interprète à la fois actuel et intemporel. Le prix assorti d’une bourse de 10 000 $ lui a été décerné dans le cadre de la remise des PRIX DE LA DANSE DE MONTRÉAL (PDM).

Le jury des PDM a été séduit par son interprétation subtile et nuancée dans l’œuvreTout ce qui va revient de Catherine Gaudet, où elle livre un solo bouleversant de sensibilité, de puissance et de maîtrise. Il a souligné la finesse, l’ouverture et la rigueur du travail d’interprète de Louise Bédard. Il a également voulu mettre en relief la capacité de dialogue et de collaboration dont elle a fait preuve tout au long de sa remarquable carrière.

Danseuse, mais aussi chorégraphe à l’écriture précise et complexe, artiste passionnée dont le talent a traversé le temps, Louise Bédard est reconnue pour la sensibilité de son ressenti, même dans les signatures les plus formelles, et pour sa capacité à passer instantanément d’un état de corps à un autre. « Je ne savais pas que chacun des rôles dansés me procurerait le sentiment de me rapprocher de ceux ou celles qui les avaient créés, m’octroyant la chance de pénétrer dans leur univers. Je ne savais pas que j’allais me demander aujourd’hui comment on perçoit les artistes d’un certain âge, et si nous pouvons exister même si nous ne sommes pas la « dernière saveur du mois ». Je ne savais pas que, même dans le plus profond des découragements occasionnés par les obstacles et les défis du métier, je reviendrais toujours à la danse», a déclaré l’artiste dans son allocution.

En remettant le Prix INTERPRÈTE, le RQD vient récompenser les danseurs et danseuses pour la qualité de leur interprétation, la rigueur de leur démarche et leur engagement dans la création et le développement de la danse professionnelle au Québec. La bourse de 10 000 $ associée au prix bénéficie de la contribution financière du RQD et de la Caisse Desjardins de la Culture, fidèle partenaire de la danse.

À propos :
Le Regroupement québécois de la danse rassemble plus de 540 membres – soit quelque 800 professionnels de la danse – qu’il représente sur les scènes publique et politique. Fondé en 1984 pour donner une voix commune à la danse québécoise, le RQD est devenu au fil des ans un chef de file dans la mise en œuvre de projets structurants pour la discipline. Ses réalisations ont notamment pour but de valoriser la danse, de favoriser son ancrage et son déploiement sur l’ensemble du territoire québécois et de tisser des liens entre les professionnels, les amateurs et les passionnés de danse.

La Caisse Desjardins de la Culture est née en 1994 de la volonté de donner aux artistes, aux artisans, aux créateurs, aux entreprises et aux organismes culturels, les moyens de leurs talents et de leurs aspirations. Coopérative financière solidement ancrée dans son milieu, la Caisse accompagne les travailleurs autonomes dans la réalisation de leurs projets personnels et professionnels, offre aux entreprises et aux organismes des services financiers adaptés à leur réalité et participe au développement socioéconomique du milieu culturel en soutenant des démarches et des projets structurants.

Les Prix de la danse de Montréal sont un organisme sans but lucratif dont le mandat est de promouvoir Montréal comme centre international de création et de diffusion en danse et de valoriser le dynamisme des personnalités, des organismes et des institutions du milieu de la danse.

Source:
Coralie Muroni
Responsable des communications du RQD
514 849-4003, poste 222
cmuroni@quebecdanse.org

Pour en savoir plus:
Biographie de Louise Bédard
Visiter le site des Prix de la danse de Montréal pour connaître les autres lauréats

Louise Bédard, Winner of the RQD’s Prix INTERPRÈTE

// Version française

The Regroupement québécois de la danse (RQD) and the Caisse Desjardins de la Culture are pleased to present the Prix de la danse de Montréal, catégorie INTERPRÈTE, to seasoned contemporary dance artist Louise Bédard, in recognition of her moving stage presence, and current yet timeless body of work as a dancer. The award comes with a cash prize of $10,000 and was presented at the PRIX DE LA DANSE DE MONTRÉAL (PDM) awards ceremony.

The PDM jury cited Louise Bédard’s subtle and nuanced performance in Tout ce qui va revient, a work by Catherine Gaudet in which she delivers a stunning solo charged with sensitivity, power and mastery. The jury went on to highlight the finesse, openness and rigour of Louise Bédard’s work as a dancer, also singling out the capacity for dialogue and collaboration she has shown over the entire course of her remarkable career.

As a dancer and a choreographer known for her precise and complex writing, and as a passionate artist whose talents have stood the test of time, Louise Bédard is renowned for her depth of feeling, even with more formal signatures, and her capacity to move instantaneously from one bodily state to another. “I didn’t know that each danced role would leave me feeling that I’d come closer to those who created them, which gave me a chance to enter into their worlds. I didn’t know that I’d be asking myself, today, how artists of a certain age are perceived, and if we can even exist if we’re no longer the so-called ‘flavour of the month.’ I didn’t know that, even in the deepest depths of discouragement brought about by the obstacles and challenges of the craft, I would always gravitate back to dance,” said the artist in her acceptance speech.

In presenting the Prix INTERPRÈTE, the RQD rewards dancers for the quality of their work, the rigour of their approach and their commitment to the creation and development of professional dance in Québec. The $10,000 cash prize associated with the award includes a financial contribution from the RQD and the Caisse Desjardins de la Culture, proud partners of dance.

About:
The Regroupement québécois de la danse represents more than 540 members – or some 800 dance professionals – on public and political stages. Founded in 1984 to give a shared voice to Québec’s dance community, the RQD has since played a leadership role in developping projects that help consolidate the discipline. Its achievements are intended to promote dance, support its establishment and deployment across Québec, and build bridges between professionals, amateurs and lovers of dance.

The Caisse Desjardins de la Culture was founded in 1994 with the intention of giving artists, artisans, creators and cultural businesses and organizations the means to realize their talents and fulfill their aspirations. A financial cooperative with solid roots in its community, the Caisse helps self-employed workers achieve their personal and professional projects, offers companies and organizations financial services adapted to their respective realities, and plays a role in the socioeconomic development of the cultural community by supporting constructive approaches and projects.

Les Prix de la danse de Montréal is a non-profit organization whose mandate is to promote Montréal as an international hub for creation and performance in dance and to highlight the dynamism of personalities, organizations and institutions in the dance community.

Source:
Coralie Muroni
RQD’s Communications Director
514 849-4003, extension 222
cmuroni@quebecdanse.org

To find out more:
Biography of Louise Bédard (French only)
Visit the Prix de la danse de Montréal website for a complete list of winners.